KINESINAS
Museo de Arte Contemporáneo, Valdivia, Chile.
COLECTIVO SIÑA - LAZO – KAS 3 de Enero al 20 de Marzo de 2014
Son una serie de obras basadas en formas celulares que se encuentran en el plasma marino y que tienen la capacidad de adquirir diversas representaciones según su materialidad, están trabajadas con reflejos que capturan los entornos y los incorporan en su estética, asi como también están construidas con otros materiales que logran diversas resoluciones y tamaños.
PIPINARA
Museo de Arte Contemporáneo, Valdivia, Chile.
COLECTIVO SIÑA - LAZO – KAS
Pipinara es un ejercicio colectivo abierto de cooperación e intercambio de tres laboratorios de arte y multimedia : Siña, Lazo y Kas, juntando a tres generaciones de artistas que trabajan con materiales, conceptos y medios contemporáneos.
El colectivo formado por Alejandro y Moira Siña (Sinalightworks), presentan una propuesta minimalista y altamente tecnológica, en la cual han desarrollado su propia industria para producir sus obras lumínicas, partiendo de lo que definen como “el segmento lumínico”, crean obras interactivas, cinéticas o fijas, activando los espacios con finas intervenciones de luz.
Félix Lazo por su parte, ha trabajado con varios materiales y metodologías, concentrándose en los últimos años en la relación entre el sonido y lo visual, creando obras interactivas visuales y sonoras, desarrollando sus propias herramientas y plataformas digitales.
El colectivo formado por Constanza Castaño A.K.A Kontana Kas, han desarrollado una investigación en relación a los límites de los materiales, re-utilizando desechos industriales, incorporando resinas, pinturas, luces LEDs, proyecciones, sonidos y elementos de transparencia, produciendo una obra de una dimensión arquitectónica, en la cual la luz, el tiempo y el sonido se toman el espacio.
El proyecto PIPINARA propone una muestra de experiencias, que van desde el arte cinético hasta el arte digital pasando por varias dimensiones desde lo concreto hasta lo virtual.
55 A1
Galería Stuart, Santiago, Chile.
Obra ganadora al concurso de nuevos medios
Consejo Naciolat de Arte y Cultura
La pieza 55 A1 es un artefacto que genera una obra de luces, sombras y sonidos, a partir de la comunión entre drones capturados de los choques del objeto y la interacción del observador. Por una parte, su escenificación mediante la intervención del espacio público gracias al formato vitrina de la galería reforzada por la apropiación de la luz-color que todo lo tiñe, todo lo abarca y por otro, los colores y sus diferentes intensidades lumínicas permiten generar texturas virtuales. Ademas, la vivencia y el habitar al interior de la galería determinada por el espectador, su ubicación, punto de vista y posible reforzamiento de una atmósfera sicológica gracias a la construcción del espacio sonoro.
Es un proyecto que quiere construir una mancha suspendida que nace de un reciclaje compuesto por 55 módulos de bandejas de lata micro perforada. Se trata de una propuesta geométrica con un orden espacial basado en analogías al movimiento, la suspensión y la transparencia, para generar una composicion organica y multisensorial. La textura y el grano que tiene cada una de las partes es de patrón único, que entregan un juego de perforaciones proyectadas en un hipnotico baile de planos y sombras.
Gen Trans Gen
Esta pieza nace de la observación sobre la constante alteración, mutación y cruces genéticos en que nos vemos envueltos.
En dos maquinas que interactuan constantemente se pasan de escalas y significados, en un volumen de luz suspendido con sutiles movimientos y agudos sonidos, dialoga con la incubadora de erraticos y aleatorios movimientos, construyendo una atmosfera de vidas y dramas.
Gen trans gen es un proyecto que manifiesta una alerta social hacia el negocio de la alimentación, al sistema de manipulación de ciencia manejada erróneamente por intereses monetarios y la creación de oscuros procesos transgénicos. La constante alteración, mutación, cruces en la gestación de la genética y en el acomodo del gen, dan contenido a esta pieza. La idea es representar un capullo incubadora del proceso de creación controlada a través del experimento y la energía, como metáfora al proceso de sobre manipulación en las cosechas de las cuales nos alimentamos, dejando abierta la conversación hacia la alimentación controlada por lo transgénico y por perversas empresas privadas que se apoderan de las patentes de semillas en el mundo.
IN + PULSO
Esta obra se presentó en el centro cultural "La Hormigonera" de Barcelona y se plantea con la participación directa de los artista y la invitación participativa del espectador, el cual puede interactuar e intervenir las imágenes y objetos mediante interfaces controladoras y máquinas computarizadas.
Los sonidos generados van dando forma y movimiento a las imágenes proyectadas, así mediante computadoras y controladores pueden construir hipnóticas atmósferas. Los espectadores se hacen participes de la estación de control, pudiendo aprender de manera intuitiva y pasar a ser parte generadora en conjunta participación con los artistas.
Interface 21
Es una obra experimental que se plantea como performance de varias horas continuas, donde lo ludico se apropia del lugar. La galeria Local Project N.Y. presento este proyecto de Kontana Kas que cuenta con la colaboracion de Alejandro y Moira se muestra como un laboratorio multimedia en tiempo real, sonidos, imagenes y colores proyectados al contacto del espectador son los ingredientes de esta propuesta.
DROP COLORS
Es un video registro de una performance, que combina los movimientos del cuerpo humano interactuando con los cambios de colores y sonidos. Se trata de un volumen de material liviano que permite al protagonista como al espectador interactuar con el objeto, generando una especie de universo en formación.
trilito
Pintura de laboratorio: la persistencia del color
Las pinturas de laboratorio son el resultado de una investigación y experimentación sobre el uso del color. Las obras fueron creadas especialmente para esta exposición, y sus formatos, al igual que el montaje los diseñamos para la sala de la Galería Stuart.
Los principios de la antiforma en trabajos a gran escala a partir de materiales industriales, es decir, manipulando los materiales más allá de la forma. Se entiende que no era necesario enmarcar su obra bajo un medio de presentación. El propio material, luego de ser investigado, se presenta en su naturaleza, adquiriendo una presencia de su esencia. El comportamiento espacial, densidad y abstracción de la obra se acercaban a lo pictórico, ya que trabajaban el muro como una superficie pictórica con una apariencia tridimensional como la pintura de acción, pero se alejaban del egocentrismo del autor. En consecuencia, mi trabajo ha pasado por estas fases de investigación para poder entender el verdadero sentido de la obra.
De manera que la conjugación de la pintura y la superficie, permite hacer una analogía de la unión de características pictóricas y escultóricas, ya que la pintura es un medio óptico que tiene el color como aditivo “a- táctil”. Robert Morris da ciertas cualidades a la pintura: óptica, inmaterial, i-limitable y a-táctil, que la hace incoherente con la escultura. En mi trabajo, al utilizar el color blanco y negro y sus distintas tonalidades hago resaltar las condiciones de la materia, un estado ambiguo entre estas dos formas de pensar la escultura y la pintura.
En consecuencia, en este presente trabajo se puede apreciar la nueva realidad matérica de lo estable e inestable, lo ordenado y lo desordenado, a pesar de su rigidez, gracias a las fases de transformación de la materia. Pueden aparentar ser frágiles e irregulares, cuando en realidad se trata de formas rígidas, siendo el resultado del azar controlado, la indeterminación y la gravedad, que se funden aleatoriamente logrando un trabajo con cualidades tanto ópticas como táctiles.
